Vamos allá.
Currahee escribió:Mi única discrepancia es en el punto de sugerir, aunque sea someramente, el más mínimo atisbo de direccionalidad en todo aquel que haya pensado en Beethoven, Mozart o Bach en el juego mental al que nos invitaba al inicio de su disertación. Corrijo: sí hay direccionalidad, intencionada e infundida si quiere, pero justa.
Cuidado con el término "justicia".
En todo caso, hay algo obvio: los artistas que conforman el "canon", ya sea de pintores, arquitectos, literatos, músicos, etc., son lo que son porque son "conocidos". Hay muchos artistas totalmente desconocidos, de calidad igual o superior incluso, que no han tenido la suerte de ser "reivindicados", por el motivo que sea.
Sabemos de Goya porque alguien lo reivindicó, como sabemos de Michelangelo o de Vivaldi.
Los más intensamente reivindicados son los que triunfan: por eso suena más Mozart que Monteverdi.
Y en música, Bach, Mozart y Beethoven son, con mucha diferencia, los más reivindicados.
Además, lo fueron con intenciones políticas e ideológicas bastante claras. Como Goya. Como Shakespeare.
Eso no discute su calidad, pero sí discute (y mucho) el por qué son valorados.
Por ejemplo: hay un compositor barroco técnicamente tan bueno como Bach llamado Jan Dismas Zelenka. ¿Cuánta gente le conoce? Pues muy pocos, sólo los "expertos" y aficionados muy enterados. Pero claro, Zelenka era bohemio, no era nacido en Turingia como Bach, y su figura no se asoció a ningún proceso nacionalista, como sí lo fue Bach.
Currahee escribió:Entrar como siempre en qué es un genio o si este compositor es mejor o peor, sobrevalorado o infravalorado, es una batalla perdida por ambas partes desde el momento en que se compara lo incomparable y se juega con los gustos y las sensibilidades personales. Pero hay algo para mi esencial en el concepto de arte con mayúsculas, y es que el arte no acepta pregones en el desierto. El talento, cuando aparte de ser talento per se, cuaja en el gran público y llega a una inmensa mayoría, pasa a ser genialidad.
El concepto de "genio" en arte es una construcción bastante falsa.
Autores hoy considerados "genios" fueron denostados ayer, y viceversa, con sólidos argumentos tanto para encumbrar como para criticar. Tendemos a considerar "genio" al artista que nos emociona, pero para ello olvidamos que lo que a mi me emociona puede dejar frío a mi vecino.
Especialmente en música, nos emociona un artista cuyo
código conocemos. Un ejemplo: el mejor músico japonés no nos va a emocionar a menos que hayamos conocido, entendido y asimilado la música japonesa como lenguaje natural que entendemos. Nos puede emocionar un grupo heavy, mientras a un africano esa misma música no le dice nada, decibelios aparte.
Y ahí entra en juego la importancia de la difusión, porque todos los amantes de la música clásica hemos sido educados en la música clásica a partir de Bach, Mozart, Beethoven o músicos muy similares a ellos. Por tanto, es natural que nos gusten
Bach, Mozart y Beethoven, pues nos hemos educado con ellos desde cero.
Lo raro sería que no nos gustasen.
Por no añadir que está comprobado que tendemos a emocionarnos más con música que hemos escuchado muchas veces, porque nos evoca más sentimientos. Es obvio que escuchamos mucho más Bach, Mozart o Beethoven que Zelenka.
Currahee escribió:Se puede engañar a pocos mucho tiempo o a muchos poco tiempo, pero no a muchos y mucho tiempo.
No creas.
Durante épocas largas se tuvo por ideal estético obras bastante mediocres. Por ejemplo, en escultura durante siglos se tuvo al Apolo Belvedere como una obra maestra de la Antigüedad clásica, cuando hoy sabemos, por comparación y gracias a nuestro conocimiento extenso de la arqueología clásica, que es una obra menor.
Por poner otro ejemplo: si la única música del siglo XX conservada fuese La Macarena, los hombres del siglo XXXI la admirarían y se emocionarían con ella, discutirían sus detalles como nosotros podemos hablar durante horas de una Suite de Bach. Todo ello sin darse cuenta de lo pésima que es, porque no se puede valorar la calidad sin muestras de comparación.
A medida que hemos conocido más la música barroca hemos visto que Bach, siendo magnífico, no era el
único.
Currahee escribió:Mi opinión es que Mozart, (sin ser de los compositores que más me emocionan), Beethoven o Bach, (que si me llega al alma), están donde están por méritos propios más que sobrados. A mi juicio fue primero el genio y luego la propaganda y no al revés.
Pues justo es contra lo que he argumentado.
Bach, Mozart y Beethoven son como son de conocidos y admirados porque fueron divulgados más y mejor.
Podrían ser igual de geniales y ser totalmente desconocidos para la mayoría. Como Zelenka.
Y en ese caso, no emocionarían a nadie, más que a los cuatro gatos que les conociesen.
Currahee escribió:Los calificativos de repetitivo y estandarizado no me atrevo a manejarlos tan en exclusiva para un estilo concreto.
Sin embargo, son los calificativos usados siempre para encumbrar a Bach, Mozart y Beethoven, por su variedad y capacidad para innovar y ser diferentes en formas musicales manidas. En todo caso, lo estandarizado, sin ser un insulto, se puede corroborar fácilmente en la música, igual que lo repetitivo. No es una mella: hay autores muy repetitivos que son excelentes compositores. Por ejemplo, Vivaldi.
Currahee escribió:La música sacra, remontándonos un par de siglos atrás, es bastante estandarizada y repetitiva y a mí que me den el “Spem in Alium” de Tallis y que se queden con el alambicado pero, para mi gusto, infumable Listz, (fabuloso pianista, por supuesto). Perdón por la comparación tan forzada, estoy juntando churras con merinas para dar idea de que, para mí, la complejidad y el virtuosismo no son condiciones sine qua non de la calidad.
Coincido en tus gustos.
Si te gusta Tallis, no dejes de adentrarte en los compositores renacentistas que te nombré anteriormente, especialmente en Josquin Desprez y Tomás Luís de Victoria, por favor. Me lo agradecerás.
Currahee escribió:En cuanto a lo de que dependían de componer para vivir, pues supongo que, en mayor o menor medida, todos tendrían a priori ese condicionante: contratos y si acaso mecenazgo.
No, que va. Desde Mozart y Haydn, el músico era un artista.
Antes de esa época, el músico era mero lacayo. Bach, en la mejor época de su vida, tenía un status inferior al caballerizo. Además de cobrar una miseria, tenían que componer por cantidad, no por calidad. Era una situación de pura y dura dependencia del cargo que ostentaban, donde su trabajo de músicos era puramente funcionarial. Nadie enjuiciaba la calidad de su música, ya que muchos patronos no tenían conocimientos para ello. Simplemente, con que hiciesen las piezas que se les requería, era suficiente, además de no descuidar sus otras tareas: como sirvientes que eran, les tocaba hacer servicio doméstico y otras tonterías varias: Bach, por ejemplo, fue más valorado económicamente como profesor de latín que por sus composiciones. Y a ser posible, que fuesen convencionales, nada de innovaciones ni cosas "raras".
Mozart se empeñó en romper esa tiranía. No quería ser servil, quería ser artista. En parte, por ello ganaba tan poco. Pero fue de los primeros en vivir de la música, como profesor, intérprete y compositor. Vivía de forma precaria y lo que mejor le pagaban eran las clases. Lo peor pagado, con diferencia, la composición.
Hasta que Beethoven y Haydn generalizaron el revolucionario concepto de "derechos de autor", el compositor estaba condenado a la miseria. Gracias a los "derechos de autor", después de siglos en situación servil, el músico pudo por fin cobrar por su trabajo creativo.
Obsérvese que actualmente, por la problemática de los derechos de autor y gracias al pirateo, estamos devolviendo a los músicos a la precariedad laboral extrema. Se vuelve a considerar "trabajo basura" la composición, denostando precisamente aquellos campos en que Bach o Mozart fueron realmente geniales.
Currahee escribió:El desarrollar más o menos las inquietudes personales de su daimon interior ya dependería de las licencias que cada uno tuviera a su alcance.
Eso de "desarrollar las inquietudes" es un concepto muy moderno y actual.
Bach jamás pensó lo más mínimo en expresarse con su música. Mozart seguramente tampoco. El primer compositor que sabemos que tuvo una visión de usar la música como expresión de sus inquietudes fue Beethoven. De ahí su importancia.
Sin embargo, creemos que eso mismo lo hizo, Monteverdi, con siglos de antelación. Y no es tan conocido.
Currahee escribió:Esto [la revalorización reciente] le pasó a Telemann y era sajón.
A Telemann se la ha revalorizado para poder competir con los redescubrimientos del Barroco. Últimamente se puso de moda el Barroco y se han rescatado muchos autores. Como el gran barroco alemán (Bach) es más que conocido, se han puesto a rescatar a los de segunda línea para poder competir. De ahí el "rescate" de Telemann.
Currahee escribió:Como dice: “cualquier compositor experto”, no un chico de 14 años.
Aquí sí que discrepo. Enérgicamente.
En tiempo de Mozart, un chico de 14 años era ya un maestro experto de su arte. Todos los compositores importantes de la Historia de la Música anteriores al silgo XIX, con muy pocas excepciones, eran perfectamente profesionales con 12-14 años. Era su trabajo, de la misma manera que un arquitecto empezaba de niño a conocer la obra.
Mozart no es el único compositor precoz. Mendelssohn fue tan precoz como Mozart y, creo, coincidiremos en que es mucho menos grande como músico. La precocidad de Mozart se ha usado siempre para exhibirle, como una forma pedestre de decir "mira lo buenísimo que era". La realidad es que la precocidad de Mozart, siendo llamativa, no era sorprendente. Y, sobre todo, tiene muy poco que ver con la enorme calidad de la música del compositor austriaco.
Era bueno porque era creativo, no porque fuese un prodigio con 9 años.
Currahee escribió:Músicos profesionales que tocan de memoria, sí, pero ¿habiéndolo escuchado sólo una vez?
Sí, sí.
Es más, he visto a músico profesionales, mucho menos dotados que Mozart y menos entrenados que él, sacar de memoria una pieza más o menos compleja para piano habiéndola escuchado una sola vez días antes y en grabación sonora o concierto.
Para un buen músico, la música es un lenguaje. De una vez que lo comprendes, puedes usarlo como si fuese tu idioma natural. Por eso un músico de calidad, sin necesidad de ser Mozart, puede memorizar una obra con una sola escucha.
Por otra parte, está por ver que Mozart sólo escuchase el "Miserere" una sola vez en toda su estancia romana. El mito lo cuenta así, porque esa leyenda quiere enfatizar la capacidad del joven Mozart. Casi todas las anécdotas de artistas anteriores al siglo XX están ampliamente exageradas. No creo que esta fuese la excepción.
Currahee escribió:En esto también estoy de acuerdo, a mí [el Miserere] me parece aburridísimo.
Depende de la interpretación.
Bien interpretado, es sublime. Si quieres te hago recomendaciones en privado.
Currahee escribió:Yo creo que no es raro, es único. Y no es una creencia alemana de pro, es universal y atemporal.
Como ya he dicho, no es único. Las habilidades de Mozart, en su mayoría, las han tenido muchos músicos.
Pero en el caso de Mozart, se usan para engrandecerle. Sobre todo se usan para asombrar a los no aficionados, porque la precocidad, al igual que todas esas anéctodas sobre su habilidad musical, tienden a asombrar muchísimo a la mayoría de la población, especialmente a todos los que no tienen dotes musicales.
Un ejemplo.
Le dices a la mayoría de la gente que Mozart copió de memoria el Miserere habiéndolo escuchado sólo una vez y la gente alucina, no siendo tan "brutal" esa anécdota, porque la mayor parte de la población no es capaz de memorizar una canción de la radio con cinco escuchas.
Sin embargo, les cuentas que Mozart compuso
Las bodas de Fígaro entre octubre de 1785 y abril de 1786, lo cual es una rapidez impensable para cualquier ópera, máxime siendo una de las grandes obras maestras de la Humanidad, y la población en general, que no tiene una idea propia de
cuánto es lo normal para componer una ópera no se asombra tanto como con la anécdota anterior.
Nota para los no "iniciados": componer "Las bodas de Fígaro" en seis meses, como lo hizo Mozart, equivaldría a que Velázquez hubiese ideado y pintado "Las Meninas" en un fin de semana. Una barbaridad.
Lo que hicieron muy bien los musicólogos alemanes con Bach, Mozart y Beethoven fue crear toda una serie de anécdotas sobre ellos fácilmente admirables por el público en general, que permiten sorprenderse sin necesidad de ser entendido en música para
valorar (de verdad) su magnífica obra.
Currahee escribió:Y no sólo eso, sino su perfeccionismo dentro de la aparente simplicidad de sus obras. Cada obra tejida nota a nota, como un mecanismo de relojería donde, como dice Salieri en “Amadeus”, (frívola visión del artista, por cierto), “cambias una nota y todo se viene abajo”.
Muchos intérpretes coinciden en la engañosa simplicidad de Mozart y en la dificultad de ejecutar sus obras por la fluidez y perfección que encierran.
Te puedo confirmar que Mozart es el autor más difícil de
interpretar. No de
tocar, sino de interpretar.
Es una pesadilla.
Currahee escribió:Anticipar una nueva tendencia me parece un gran paso propio de un genio, y usted le otorga a Mozart la posibilidad de haberlo hecho. De todas formas no le hizo falta
Sin duda. Pero Mozart es genial y gigante sin excusas. No hace falta atribuirle anécdotas ni capacidad visionaria.
Es el más grande por su capacidad creativa pura, no porque se anticipase ni porque tocase el piano con 5 años.
Currahee escribió:No olvidemos que muchas veces estos maestros eran poco menos que experimentos o juguetes de unos padres que expiaban sus frustraciones vehiculizando sus fracasados anhelos a través de unos niños que, en cuanto apuntaban ciertas dotes, pasaban a vivir por y para la música.
Protesto, enérgicamente.
Leopold Mozart, padre de Mozart, no explotó jamás a su hijo. Esa idea forma parte de una visión del siglo XX.
En su época, lo que hizo por su hijo fue una prueba de amor de padre: le enseñó su propio oficio (el de músico) y se encargó de que Wolfgang estudiase con los mejores, garantizándole un porvenir que, de no haber tenido como padre a uno de los mejores maestros de música de Europa, no habría existido.
Como músico, su hijo tenía un buen futuro de por vida. Sin la música, acabaría de lacayo con seguridad.
Aquí tenemos un ejemplo de cómo la historiografía ha adulterado las biografías de estos tres genios: tenemos al padre de Mozart por un "padre explotador", porque la imagen de niño prodigio explotado encaja bien con Mozart.
Sin embargo, nadie habla de Johann Sebastian Bach en los mismos términos de "padre explotador" pese a que casi todos los hijos de Bach fueron educados severamente como músicos. Bach incluso intentó educar como músico a su segunda esposa, Ana Magdalena.
Por supuesto, Bach tampoco era un "padre explotador": simplemente educó a sus hijos en el oficio familiar (hay más de 50 músicos de diferentes épocas en la familia Bach), igual que Leopold hizo con su hijo Wolfgang. Y, por supuesto, ni Bach ni el padre de Mozart estaban frustrados para proyectar esa frustración en la formación musical de sus hijos. Ambos estaban orgullosísimos de que sus hijos les superasen.
(Digo bien,
superasen, porque dos de los hijos de Bach tuvieron en vida más fama como músicos que su padre)
Currahee escribió:También los alemanes contribuyeron al desarrollo de la música de cámara, menos aparatosa, sin ir más lejos Mozart y Beethoven son destacados ejemplos. Yo no creo que la música sinfónica sea el no va más, sino que es por su majestuosidad y grandilocuencia, más impactante para el oído medio lo que la hace por ende más espectacular, (y el espectáculo vende), y eso no es culpa de los alemanes. Digo más espectacular, no mejor ni más emotiva.
Otro ejemplo: la música de cámara.
¿Por qué se valora tanto?
¡Oh sorpresa, resulta que los compositores alemanes la practicaron más que los de otros países!
Haydn, Beethoven, Schubert, Brahms... Los creadores del concepto de "música de cámara" son todos alemanes.
Currahee escribió:El mejor arte debe ser intuitivo, claro y evidente. El común de los mortales tiene que percibirlo y casi a primeras decir “esto me gusta”. Cuando algo es sublime no hacen falta años de entrenamiento y estudios para apreciarlo.
No lo creo. Más bien al contrario.
No digo que haya que ser erudito para entender el arte. Pero es
necesario del todo entender su lenguaje.
Nosotros no sabemos interpretar un jarrón chino, luego no nos va a emocionar, de la misma forma que un swahili no puede interpretar un cuarteto de Haydn ni emocionarse con él, ya que su armonía y lenguaje le son totalmente ajenos.
Para que un artista te emocione, tienes que entenderle.
En literatura están las traducciones, así que podemos leer a Tolstoi en español. Pero nadie traduce la música o la pintura, de manera que para emocionarte con una obra musical o un cuadro tienes que compartir lenguaje estético con el autor de la misma.
Eso como mínimo.
Currahee escribió:Pues si le digo la verdad, yo asocio la ópera a Verdi y los violines a Vivaldi. Y la culpa no tiene por qué ser siempre del que vende, sino del que compra. El trilero puede engañar a unos cuantos pero no a toda la calle.
¡Verdi! ¡Otro gran producto!
Puccini, Bellini, Donizetti... Son muchos los compositores italianos de ópera superiores técnicamente a Verdi. Y me atrevo a añadir que también en capacidad estética y belleza de su música.
Pero Verdi fue la bandera estética bajo la cual se reunificó Italia. Es otro ejemplo como Bach y Beethoven.
Currahee escribió:Hombre tampoco me parece despectivo, el término se refiere a un cambio sustancial en la música, un antes y un después.
El término "música antigua" nació de manera bastante despectiva, como lo es el de "arte primitivo" por ejemplo.
Los que conocemos algo de esa música lo vemos de manera diferente, pero el término en sí mismo es negativo.
Currahee escribió:Cuando hablamos del Modernismo no estamos desacreditando todo lo anterior por viejuno.
Cuidado con el término Modernismo. No tiene nada que ver con modernidad y es un término exclusivo de España.
Lo que nosotros en España llamamos Modernismo es lo llamado originalmente Art Nouveau o Jugendstil.
La palabreja "modernismo" es una torpe traducción española que ha quedado para la posteridad, por desgracia.
Currahee escribió:Bach, por ejemplo, entra en esa denominación, por pertenecer al periodo barroco, y de hecho a pesar de haber sido considerado un genio ya en su época, sin propaganda filogermánica, tuvo que sufrir cierto desprecio en sus últimas etapas de vida. Se acercaba el clasicismo y Bach se quedaba atrás.
No digas a un alemán que Bach es "música antigua". Le da un patatús.
Pocas veces verás a Bach en la estantería de "música antigua". Vete a cualquier tienda de discos y verás que a Bach se le coloca en las estanterías de
los mayores, con Beethoven y Brahms. En los estantes de "música antigua" normalmente sólo están los "apestados" como el pobre Monteverdi y todos los renacentistas.
A Händel y Vivaldi tampoco se les suele poner en música antigua, porque son famosetes y por eso ya se han ganado estar con los mayores. Por pura popularidad. A Telemann, en cambio, a veces si se le castiga en las tiendas a la estantería de los apestados.
Si te fijas bien en cualquier sección de música clásica te sorprenderás. Está todo bastante estandarizado.
La FNAC y El Corte Inglés organizan tal cual te he dicho. Algunos barrocos son "antigua" siempre, como Purcell o Rameau, mientras que otros (los "grandes" como Bach) van a la sección alfabética con los clásicos y los románticos. Pura arbitrariedad, pero también un ejemplo de cómo ha calado la idea de compositores más populares frente a otros menos.
Currahee escribió:Está claro que es cuestión de evolución musical, transición y continua innovación… y de gustos, claro.
El gusto influye, claro. Pero la música, como cualquier disciplina, entiende también de
calidad objetiva.
Currahee escribió:¿Y cómo es que no supimos llevarles el pulso cultural entre los cuatro?. Y no me malinterprete, no hago germanofilia sino autocrítica, que no les tengo especial cariño precisamente.
Porque en ese momento los grandes pensadores que han pasado a la posteridad eran alemanes.
Y esos grandes pensadores hablaban de Beethoven o Wagner, pero no de Lully o de Arriaga.
Currahee escribió:Pues a mí la verdad muy poco o nada salvo el Palestrina que, como mi amigo Tallis, pertenece a una época, el Renacimiento y una música, la sacra, en la que casi la mayoría pasan desapercibidos al dominio popular. Seguro que en la época griega o romana había grandes músicos y genios compositores, pero la evolución técnica, instrumental, comunicativa, socio-económica, etc, hacen a la música culta cada vez más asequible y cercana, convirtiéndola en fenómeno de masas. La música culta se abre al mundo, se disfruta en conciertos y se difunde más allá de los círculos a los que se ceñía hasta entonces.
Algo de eso hay, claro.
El problema real es que la música del Renacimiento va en ese cajón de los castigados, la "música antigua".
Poco importa que Palestrina le diese sopa con onda en cuanto a capacidad compositiva a la mayoría de los románticos. Como es arcaico, es antiguo, por tanto ni se le considera "compositor", mucho menos "artista". Hasta hace muy poco, los manuales escolares de Historia de la Música en España no mencionaban siquiera que en el Renacimiento España fue la primera potencia mundial en compositores, a pesar de que es obvio que en momento álgido del Imperio debía haber en España algo muy gordo desde el punto de vista musical.
Eso sí, se le dedicaba tema aparte al Nacionalismo Ruso.
(Y apenas nada al nacionalismo musical español, que eso lo carga el diablo)
Currahee escribió:Mi percepción es que los alemanes tuvieron su gloria en el clasicismo, los italianos la suya en el barroco y los franceses, rusos y checos en el romanticismo. Con genialidades cruzadas en todos los “bandos”, épocas y estilos, pero con este claro predominio.
Y España en el Renacimiento, junto a Flandes.
Sin embargo, hubo grandes clásicos en Italia, de quienes aprendió Mozart por cierto, que pasan al anonimato total.
Siempre me ha hecho gracia leer en las biografías clásicas de Mozart cómo tratan el hecho de que el joven Wolfgang se fuese a estudiar a Italia con compositores italianos. Hacen equilibrismos para obviar que la música de Mozart es profundamente italiana y que, si Leopold lo mandó a Italia, es porque allí estaban los mejores músicos, de largo.
En cambio, exageran siempre la influencia de Haydn en la música de Mozart, como si fuese el único maestro que tuvo en su vida. Claro que Haydn es austriaco también.
Poco se dice en las biografías clásicas de Mozart de lo mucho que influyó un músico valenciano en su obra: Vicente Martín y Soler, uno de los mayores músicos de la época y un total desconocido incluso en España.
Afortunadamente, las biografías mozartianas actuales tienden a remendar estos errores y, poco a poco, conocemos a los grandes compositores clásicos y románticos "no alemanes", incluidos españoles como Soler o Arriaga.
Currahee escribió:Efectivamente. Como comentaba, Bach adoraba a Vivaldi. Si la culpa no es de los músicos, sino de los políticos e historiadores malintencionados y sus particulares exégesis, prerrogativas, tergiversaciones, promociones y agravios al foráneo que nos tragamos porque quisimos… o que sólo usaron para ensalzar algo que no hacía falta que nos vendiera
Nada de malintencionados. Tenían las mejores intenciones.
Es natural que un historiador se enamore un poco del artista sobre el que historia.
Difícil no caer en la admiración y panegírico cuando uno estudia a Bach, Mozart y Beethoven.
Y si uno es alemán o austriaco, no te cuento.
Currahee escribió:No me dirá que Chopin, Verdi o Tchaikovsky no son tan renombrados como estos dos o más.
Muy renombrados. Todos ellos por buenos motivos.
Chopin es el artista nacional polaco. Su mayo gloria musical, dicen ellos.
Verdi lo mismo con Italia.
Chaikovski el músico ruso más internacional.
Ninguno de los tres es el mejor en lo suyo, desde luego. Pero sí los más icónicos.
Currahee escribió:Será recientemente, porque hacia el final de su vida fue repudiado en gran parte por ser judío.
A Mendelssohn se le programa en todos los grandes auditorios del mundo de manera habitual.
Sin embargo, a Vicente Martín y Soler ni se le ve en las grandes programaciones, ni siquiera en España.
Currahee escribió:El machismo y la usurpación intelectual no eran ni son, por desgracia, patrimonio de la música ni de los alemanes.
Cierto.
Pero teniendo una gran músico mujer, lo propio habría sido no borrarla del mapa.
No es machismo, sino simplemente ajustarse a las figuras vendibles como héroes románticos de la música.
Si no eres hombre, incomprendido y enfermizo, no puedes ser un gran compositor del Romanticismo. Una mujer joven, bella, inteligente, con sus bonitos vestidos de volantes, no da el tipo. No cuela como "atormentada" y todos los demás tópicos románticos.
Currahee escribió:Pues en mi caso porque estuve ante el David y la Piedad y me parece inhumano que alguien haga algo así.
¿Inhumano por qué?
Hay muchos escultores con un nivel igual o superior de técnica que Michelangelo. Bernini, por ejemplo.
La Pietá Vaticana es una obra indudablemente bella. Importante por su valor en la Historia del Arte, pero no tanto sin embargo por su evidente belleza. En cuando al David, es una obra "menor". Famosa por estar donde está, relevante en su momento por lo que implica un hombre desnudo de semejante tamaño colocado en una plaza pública, pero no es para tanto revuelo como se le monta.
En todo esto influye más el fetichismo turístico, como ocurre con la Gioconda.
Currahee escribió:No tengo ni idea de quienes me habla pero por lo que entiendo, aquí se pasa de ensalzar lo germano en detrimento de lo italiano a todo lo contrario, ¡y por los propios germanos!.
No exactamente.
Winckelmann y Burckhardt eran admiradores de todo clasicismo, porque era el estilo en el que se habían educado bajo influencia del clasicismo alemán/centroeuropeo. Tuvieron la frialdad y honestidad, eso sí, de buscar las fuentes en Italia y Grecia y no de pretender que era un invento alemán.
Currahee escribió:Y a mí me vendieron que en su época, la antigua Roma era la cultura más avanzada y poderosa de Europa y me lo creo. O eso o me entrego a la fe.
Tuvo sus cosas, sí.
Pero tampoco olvidemos que eran un pueblo de salvajes sanguinarios. No eran tan finos como en el cine.
Les encantaba la sangre.
En cuanto al poder... el Imperio Romano las pasó más canutas militarmente de lo que creemos. Nunca estuvo seguro del todo y tenía más miedo a los pueblos "bárbaros" de lo que se suele contar en los documentales, donde se tiende a exagerar el dominio y control total de Roma.
Currahee escribió:Soy escéptico y contracorriente por naturaleza y más en cuestiones de arte, (no soporto las chorradas que nos pretenden vender como arte moderno, las performances ridículas y todo eso), pero en este caso creo que la frase de Gualtier lo resume claramente, a veces de los que se dice que son los mejores, son los mejores. (Perdone pero es que a mí solo se me hace mucho).
Dos cosas diferentes.
- Hay arte contemporáneo de gran calidad. Aunque sea difícil de entender. Todo arte se entiende mejor con el paso del tiempo, cuando se asimilan las novedades: pensemos que también las obras de Beethoven fueron considerada como "chorradas que nos pretenden vender".
- Yo no digo que Bach, Mozart y Beethoven no sean extremadamente buenos. Pero los conocemos por motivos ajenos a su calidad. Otros igual de buenos pasan desapercibidos porque no han sido usados como bandera nacional.
Currahee escribió:¿O la pintura española era un desastre y Goya se vendió muy bien?
Al contrario: la pintura española es magnífica y Goya se vende muy bien, siendo de lo menos bueno.
Pero Goya es otro ejemplo de héroe romántico y bandera nacional.
Pensemos que es el primer gran artista "genuinamente castizo" y que se desarrolló como tal en la corte de Madrid. Eso no es casualidad en el éxito que ha tenido como bandera del arte español.
¿Te parece casual que se enfatice siempre que Goya se quedó sordo,
exactamente como Beethoven?
Porque vale, a Beethoven le influía la sordera un poco porque tuvo que dejar de tocar el piano, pero pintores sordos ha habido cientos... y no se ha hecho tanto jaleo con ese particular detalle de la sordera como con Goya. Incluso con pintores casi ciegos (como el viejo Monet) se hace menos énfasis en ese problema de salud que con la sordera de Goya.
En el caso de Goya, la sordera le aporta ese plus de
sufrimiento romántico para convertirle en héroe artista.
Que no digo que no sufriese el hombre. Pero a lo mejor Murillo padecía de retortijones y no nos interesa.
Ozú... qué testamento.
Saludos
